Als Kind schnitt, riss, drehte, schichtete, nähte und verzierte die brasilianische Künstlerin Sonia Gomes ihre eigene Kleidung und ihren Schmuck und verwandelte sie in tragbare Kunst. „Mein Körper war meine erste Leinwand“, sagt Gomes, heute 77 Jahre alt, mit in einem punkigen Heidelbeerton gefärbten Haaren, als wir uns letzten Januar in ihrem Atelier in São Paulo unterhalten. Im oberen Stockwerk des Ateliers hängt ein Kleiderständer mit einigen dieser dekonstruierten Strickwaren. Mit Begeisterung zeigt sie auf ein abgetragenes gelbes T-Shirt, das mit Schnüren, Perlen und Flicken aus anderen Stoffen verziert ist. Ein offener Reißverschluss unter dem Ausschnitt bildet einen spielerischen Ausschnitt – einer der wenigen, die sie je an Kleidung mochte. „Ich war schon immer eine Künstlerin, auch wenn ich dafür keinen Namen hatte“, sagt sie.

Dieselbe rebellische Energie durchzieht Gomes’ Skulpturen, die von bauchigen hängenden Formen bis zu verdrahteten Käfigen reichen, die aus dem Boden sprießen oder an Wänden haften. Ihre Arbeiten belohnen genaues Hinsehen – hier ein Büschel aus Pailletten oder Muscheln, dort ein Knoten aus Wachsdruckstoff oder hundert Jahre alter Spitze. Inspiriert von afro-brasilianischen Handwerkstraditionen verarbeitet sie meist gefundene oder gespendete Stoffe von Hand. „Alles, was ich bekomme, behalte ich“, sagt sie. Jeder Fetzen trgt seine eigene Geschichte. Erinnerung – sowohl persönliche als auch kulturelle – ist für sie ebenso ein Material wie Baumwolle, Seide oder Wolle.

Gomes ist ein Star in Brasilien, eine beeindruckende Leistung, wenn man bedenkt, dass sie erst mit 45 Jahren, nachdem sie ihre juristische Karriere hinter sich ließ, hauptberuflich Kunst machte. „Sonia ist dort eine Göttin… eine Legende“, sagt der ghanaisch-amerikanische Kurator Larry Ossei-Mensah, der in den letzten Jahren mehrere Projekte mit ihr realisiert hat. Gomes hat in Museen in ganz Brasilien ausgestellt (2018 hatte sie zwei Einzelausstellungen – eine im Museu de Arte de São Paulo, eine andere im Niterói Contemporary Art Museum in Rio) sowie in renommierten internationalen Häusern wie der Biennale von Venedig.

Ihre neueste Zusammenarbeit mit Ossei-Mensah, die ihr Profil in den USA sicherlich steigern wird, ist ein neuer Auftrag für das Storm King Art Center in New York, das am 7. Mai eröffnet. Die Ausstellung Sonia Gomes: Ó Abre Alas!, kuratiert von Ossei-Mensah und Storm Kings Geschäftsführerin Nora Lawrence, zeigt 13 von Gomes’ charakteristischen Hängeskulpturen, die wie Laternen an einer Eiche auf dem Museum Hill schweben – einem Ort, den Lawrence als „schlagendes Herz“ des 500 Hektar großen Skulpturenparks bezeichnet. Gomes wird zudem die Galerien im Erdgeschoss des Innenmuseums mit skulpturalen Arbeiten aus den letzten zwei Jahrzehnten füllen.

Ó Abre Alas! markiert mehrere Premieren: Gomes’ erste Freiluftausstellung (und ihre erste Einzelausstellung in einem US-Museum) sowie Storm Kings erste Präsentation einer brasilianischen Künstlerin. Die Outdoor-Umgebung stellte neue Herausforderungen dar – ihre Skulpturen müssen von Mai bis November Sonne, Regen und Wind trotzen. „Mir wurde klar, dass ich andere Stoffe als gewohnt verwenden musste“, sagt sie. „Es war das erste Mal, dass ich tatsächlich Materialien kaufen musste.“

Das Ergebnis ist eine faszinierende Mischung aus Alt und Neu, erdigen Tönen und Neon, die in ihrer Größe von monumental bis filigran variieren. Während Gomes wetterfeste Materialien wie Schiffsseile und Nylonnetze in Outdoor-Geschäften besorgte, wäre die Installation nicht ihre eigene ohne die eklektischen Verzierungen aus ihrer Sammlung – ein altes Vorhängeschloss, eine Kette aus Kaurimuscheln, ein blaues Fischnetz, das „vor langer Zeit gespendet“ wurde.

Lebhaft und freudig, das Werk hätte fast einen anderen Titel gehabt. „Zuerst dachte ich daran, es Eine Symphonie für die Natur zu nennen“, erklärt Gomes und verweist auf ihre früheren Hängeskulpturen mit „Symphonie“ im Namen. „Aber als es fertig war, merkte ich, dass es viel mehr mit Karneval verbunden ist.“

Der Titel Ó Abre Alas – sowohl für die Freiluftarbeit als auch für die größere Ausstellung verwendet (nur durch ein Ausrufezeichen von der Indoor-Präsentation unterschieden) – bezieht sich auf den Eröffnungswagen eines Karnevalsumzugs (frei übersetzt „Öffnet die Flügel“) und auf das Lied Ó Abre Alas! der bahnbrechenden brasilianischen Komponistin Chiquinha Gonzaga aus dem Jahr 1899.

„Von außen mag Karneval wie eine große Party wirken“, sagt Ossei-Mensah. „Aber für Afro-Brasilianer und andere im Globalen Süden ist es ein Akt des Widerstands und der Feier. Gomes möchte diese kulturelle Geschichte würdigen.“

Gomes’ Skulpturen, obwohl vollständig abstrakt, haben eine biomorphe Qualität. Jeder verdrehte Vorsprung deutet auf einen Körper oder ein Körperteil hin, erinnert an Senga Nengudis Werk. Selbst mit Neon-Seilen und synthetischen Pailletten bewahren ihre organischen Formen eine Weichheit, die sich von den oft schweren, metallbasierten (und traditionell männlich konnotierten) Skulpturen auf dem Gelände von Storm King abhebt.

Obwohl dies ihre erste Freiluftinstallation ist, hat Gomes die Natur schon lange in ihre Praxis einbezogen. „Dieses Projekt unterstreicht wirklich ihre Verbindung zur Erde“, bemerkt Ossei-Mensah. Holz dient ihr beispielsweise als Leinwand für bemalte und genähte Kreationen.

Sie fühlt sich auch von natürlichen Proportionen angezogen, wie der Fibonacci-Folge, die die 13 Anhänger in ihrem Storm-King-Werk und die 34 in einer beeindruckenden Installation 2023 im Pinacoteca-Museum in São Paulo inspirierte.

Für Gomes fühlt es sich passend an, ihre Arbeiten im Freien zu präsentieren – sogar überfällig. „Man kann hier nichts ausstellen, das getrennt von der Umgebung, den Bäumen, dem Grün, dem Himmel ist“, bemerkt Lawrence.

Geboren 1948 in Caetanópolis, einer ehemaligen Textilstadt im brasilianischen Bundesstaat Minas Gerais, ist Gomes die Tochter einer schwarzen Mutter und eines weißen Vaters. Nach dem Tod ihrer Mutter im Alter von drei Jahren wurde sie von der bürgerlichen Familie ihres Vaters aufgezogen – ein Umfeld, das sie als lieblos und entfremdet von ihren afrikanischen Wurzeln beschreibt. Ihre frühen Experimente mit Kleidung als Ausdrucksform wurden zu einem Rettungsanker, eine Möglichkeit, ihre Identität zurückzuerobern.

Obwohl sie Jura studierte (eine pragmatische Wahl, die andere ihr nahelegten), hörte sie nie auf zu kreieren. Mit Ende 40, erschöpft vom Balanceakt zwischen beiden Welten, verließ sie den Juristenberuf, um an der Guignard Kunsthochschule in Belo Horizonte zu studieren. „Dort fand ich zum ersten Mal Freiheit. Ich konnte alles machen, was ich wollte“, erinnert sich Gomes. Dort nannte sie sich auch erstmals Künstlerin – ein Begriff, den sie früher nur für diejenigen reserviert hatte, die zeichnen konnten.

Obwohl sie von ihrer Vision überzeugt war, wurde ihre Arbeit in der Kunstwelt zunächst als bloßes „Kunsthandwerk“ abgetan, teilweise aufgrund ihres Mediums und ihrer Identität als schwarze Frau. Unbeirrt machte sie weiter: „Labels waren mir egal – Kunst oder Handwerk. Ich habe einfach weiter gemacht.“ Mitte der 1990er und Anfang der 2000er begann sie, in Galerien in Minas Gerais auszustellen, und 2012 hatte sie ihre erste Einzelausstellung bei Mendes Wood DM, der Galerie in São Paulo (mittlerweile mit Standorten weltweit), die sie heute neben Pace vertritt.

Seit etwa einem Jahrzehnt lebt Gomes in São Paulo – einer Stadt mit fast 12 Millionen Einwohnern, die sie als „Ort, wo alles passiert“ beschreibt. Hier nahm sie Emanoel Araújo, der Gründungsdirektor des Museu Afro Brasil, in seine wegweisende Ausstellung „A Nova Mão Afro-Brasileira“ („Die neue afro-brasilianische Hand“) von 2013 auf, was einen Wendepunkt in ihrer Karriere markierte.

Zwei Jahre später wählte Okwui Enwezor Gomes für die 56. Biennale von Venedig aus. Die Ehre überwältigte sie. „Ich dachte, das sei der absolute Höhepunkt“, erinnert sie sich grinsend und wirft die Hände hoch. „Auf dem Rückflug dachte ich: ‚Das Flugzeug kann abstürzen – es ist mir egal!‘“

Obwohl ihre Arbeiten in Gruppenausstellungen in US-Museen gezeigt wurden und in den Sammlungen des MoMA und des Guggenheim in New York vertreten sind (wo derzeit eine andere zeitgenössische brasilianische Künstlerin, Beatriz Milhazes, ausstellt), ist die Storm-King-Ausstellung ihre erste Museums-Einzelausstellung in diesem Land. „Es war wichtig, die Arbeit einer etablierten Künstlerin – einer, die in den USA nicht weit bekannt ist – an einen Ort wie Storm King zu bringen, wo Grenzen verschoben werden können“, sagt Lawrence.

Ihre Installation Ó Abre Alas wird sich von Mai bis November im Laufe des Tages und der Jahreszeit verändern. Einige Stoffe mögen halten, aber wie ein Baum werden sie sich mit den Jahreszeiten wandeln. Es ist ein Experiment, das drei Jahre Vorbereitung benötigte. „Was ich an Sonia liebe, ist ihre Begeisterung für Risiko, für das Abenteuer, etwas Neues zu versuchen“, sagt Ossei-Mensah. „Sie könnte sich auf ihren Lorbeeren ausruhen, aber das ist nicht das, was sie antreibt.“

Gomes freut sich, dass mehr Menschen ihre Arbeit außerhalb der weißen Wände einer Galerie sehen werden. Sie schreibt ihren Skulpturen keine Bedeutung vor oder wie sie interpretiert werden sollen. „Mein einziger Anspruch ist die Schönheit der Arbeit“, sagt sie. Obwohl sie nicht explizit politisch oder identitätsbezogen ist, trägt sie unweigerlich Spuren von beidem – weil sie es ist, die sie erschafft. Die Ehrfurcht, die sie jedem Material entgegenbringt, ist radikal, besonders für jemanden, der an einem Ort geboren wurde, wo Textilarbeit oft von marginalisierten Frauen verrichtet wurde.

Sie nennt ihre Praxis eine Notwendigkeit, etwas, das seit ihrer Kindheit in ihrem sangue (Blut) liegt. In ihrem Atelier, während wir frisch gebackene Pão de Queijo essen, frage ich sie, ob es für sie einen perfekten Tag des Kunstschaffens gibt. Wie würde der aussehen? „Jeden Tag“, antwortet sie. „Ich muss Kunst machen, um zu leben.“

„Sonia Gomes: Ó Abre Alas!“ ist vom 7. Mai bis 10. November 2025 im Storm King Art Center in New Windsor, New York, zu sehen.