Vor acht Jahren nahm Jonathan Groffs Freund Ted Chapin ihn mit zu einer Aufführung von Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 und anschließend zum Abendessen bei Orso. Während des Essens fragte Chapin – der damals die Reihe „Lyrics and Lyricists“ am 92nd Street Y produzierte –, ob Groff Interesse hätte, in einem bevorstehenden Programm mit Liedern von Bobby Darin aufzutreten.

Diese Frage stürzte Groff in ein YouTube-Rabbit Hole, in dem er Clip für Clip des genreübergreifenden Singer-Songwriters verschlang. In Pennsylvania aufgewachsen, kannte Groff Darins Hits wie „Mack the Knife“ und „Splish Splash“, aber er hatte nicht realisiert, dass sie vom selben Künstler stammten – und er war unsicher, ob er Darins Energie und Vielseitigkeit einfangen könnte.

„Ich war völlig hingerissen von Bobby’s roher Wildheit, selbst in diesen alten Schwarz-Weiß-Aufnahmen“, erzählt Groff Vogue. „Da war eine echte Präsenz und Leidenschaft. Er war nicht nur ein Rock-’n’-Roll-Typ oder ein Schlagersänger. In seinem Vortrag lag eine echte Verbindung.“

Als er sich schließlich für das Konzert entschied, begann Groff, seine eigene Beziehung zu Darin zu erkunden. Inspiriert vom immersiven Erlebnis von Natasha und der Club-Atmosphäre von Here Lies Love am Public Theater, kontaktierte er Regisseur Alex Timbers und arbeitete an dem, was schließlich zu Just in Time wurde – das am Mittwochabend am Broadway im Circle in the Square Theatre Premiere feierte.

Für die Rolle lernte Groff – der letzte Saison einen Tony für die gefeierte Wiederaufnahme von Merrily We Roll Along gewann – Schlagzeug und Klavier zu spielen und nahm zehn Wochen Tanzunterricht bei Choreografin Shannon Lewis, die mit der Show ihr Broadway-Debüt gab. Doch anders als bei einem typischen Jukebox-Musical muss Groff in Just in Time nicht auf seinen eigenen Charme verzichten. Stattdessen präsentiert er sich als der Darsteller, den das Publikum kennt und liebt, und schlüpft dann in Darins Rolle – und wieder hinaus.

„Ich wollte die Show als ich selbst beginnen und die vierte Wand durchbrechen, um diese Verbindung herzustellen, für die Bobby berühmt war – das Gefühl, dass wir alle gemeinsam in diesem Moment sind und alles passieren kann“, sagt Groff. „Ich wollte diese Liebesaffäre zwischen Darsteller und Publikum beschwören – daraus entspringt das Herz der Show.“

Groffs Traum, das goldene Zeitalter der Copacabana (Darin’s Lieblingsbühne) heraufzubeschwören, wurde bei der Premiere Wirklichkeit. Seine beste Freundin Lea Michele saß vorne in der Mitte an den Cabaret-Tischen des intimen, nightclubartigen Theaters und tanzte sogar mit ihm während des Vorhangfalls. Um sie herum seine Merrily-Kollegen Daniel Radcliffe, Lindsay Mendez und Katie Rose Clarke sowie seine ehemaligen Hamilton-Mitstreiter Lin-Manuel Miranda und Phillipa Soo. Die Afterparty in Guastavino’s auf der Upper East Side lockte Gäste wie LaChanze, Grey Henson und Kevin Cahoon an, die mit Donna Murphy zur Liveband die Nacht durchtanzten.

Doch eine Woche zuvor sprach Groff mit Vogue über seine Verbindung zu Bobby Darin. Hier bearbeitete Auszüge aus dem Gespräch.

Vogue: Gab es einen bestimmten Moment während Ihrer YouTube-Recherche, der Sie überzeugte, dass Sie ihn verkörpern könnten?

Jonathan Groff: Da war dieser Clip, in dem er „Once Upon a Time“ singt – ich würde es nicht mal Schauspiel nennen, denn es wirkte nicht wie eine Performance. Es war so tief empfunden. Er sang nicht nur ein Lied in einer TV-Show, er vermittelte etwas Profundes. Das zu sehen, war unglaublich. Später, in seinen letzten Jahren, sang er Duette mit Frauen wie Dusty Springfield oder Petula Clark in seinen TV-Specials, und sie… [Text geht weiter] saßen auf Hockern, die Gesichter nah beieinander. Er war so intim und präsent – ich erinnere mich, wie mich das völlig in den Bann zog.

Wenn Sie die Augen schließen und zuhören – wohin führt Sie diese Musik?
Ehrlich gesagt fühlt es sich magisch an. In dem Buch seines Sohnes Dodd gibt es ein Zitat, das Bobby als Nightclub-Tier beschreibt, auf der Bühne auf dem Höhepunkt seiner Kräfte – und diese Musik live zu spielen, besonders in so intimem Rahmen, ist wirklich eine transzendente Erfahrung. Ein anderer Clip, den ich liebe, zeigt Bobby und George Burns, wie sie zu I Ain’t Got Nobody einen Sandtanz aufführen. Man sieht die Verbindung zwischen ihren Generationen – das ist wunderschön. Es erinnert mich an Lady Gaga und Tony Bennett – wie ein moderner Popstar sich mit jemandem aus einer früheren Ära verbinden, ihn respektieren und sich inspirieren lassen kann.

Wenn wir diese Musik live spielen, versetzt mich der Klang unserer Bigband in eine andere Zeit, einen anderen Ort. Die Energie ist elektrisierend. Einige Zuschauer sind mit seiner Musik aufgewachsen – man spürt, wie sie im Moment aufgehen. Oft, wenn ich bestimmte Lieder wie Beyond the Sea anstimme, bricht das Publikum in Applaus aus. Es ist unbeschreiblich, da zu stehen, diese Musik zu singen und das Gefühl zu haben, etwas Größeres zu channeln.

Doch neulich saß ein achtjähriges Mädchen in der ersten Reihe, völlig gebannt. Warum? Sie ist nicht mit Dream Lover aufgewachsen. Aber Bobby war besessen vom Publikum, davon, der ultimative Entertainer zu sein – diese Musik hat etwas, das sie unwiderstehlich macht, egal ob man sie aufführt oder nur hört.

Wann sind Sie als Zuschauer dem klassischen „Barbra-im-Bon-Soir“-Nightclub-Erlebnis am nächsten gekommen?
Dieses Album ist eine Obsession von mir. Ich lebe hier meinen Traum – diese alten Clips von Barbra in The Judy Garland Show oder bei Dinah Shore zu sehen, nur sie, ein simples Set und ein phänomenales Lied, das eine Geschichte erzählt. Das hat auch Bobby gemacht. Für mich ist das ein Traum, der wahr wird.

Was ist Ihnen an den Songs aufgefallen, die Bobby schrieb?
Sie sind zutiefst autobiografisch. Splish Splash entstand, als er einen Hit jagte – Rock ’n’ Roll war damals groß. Die Legende besagt, dass er bei DJ Murray the K zu Hause war, als Murrays Mutter anrief und sagte: Ich hab einen Songtitel für Bobby: „Splish splash, take a bath.“ Angeblich schrieb Bobby diesen Novelty-Song in 15 Minuten. Früh in seiner Karriere komponierte er Jingles wie ein Savant – er konnte sich ans Klavier setzen und einfach Lieder aus dem Ärmel schütteln.

Things ist ein peppiger Song über seine Trennung von Sandra Dee. 18 Yellow Roses deutet seine Folk-Phase an, ist aber auch wörtlich zu nehmen – er schickte Sandra’s Mutter täglich 18 gelbe Rosen, um sie für sich zu gewinnen, bevor er sie Sandra selbst schickte. Rainin’ entstand, nachdem er ein Familiengeheimnis erfuhr [dass die Frau, die er für seine Schwester hielt, seine Mutter war, und seine Großmutter ihn aufgezogen hatte]. Oft verband er dunkle, intensive Themen mit beschwingten Rhythmen – wie in Mack the Knife. Dieser Kontrast macht es gefährlich und besonders.

Und dann ist da Songs From Big Sur – es klingt nicht mal wie er. Sein Cowboy Carter-Moment, ein totaler Genre-Bruch. Man spürt so viel von ihm darin.

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Ausdruck und sich wandelnde kulturelle Verbindungen in seiner Musik.
Man sieht heutzutage kaum Künstler, die Covers veröffentlichen. Glauben Sie, dass uns etwas entgeht?

Ein interessanter Punkt. Das erste Beispiel, das mir einfällt, ist Adele’s Version von Bob Dylans Make You Feel My Love, aber Sie haben recht – es ist heute seltener. Was ich an Bobby Darin liebe, ist, wie er die Vergangenheit umarmte und nach Größe strebte. Er tauchte ein in die Werke der Legenden vor ihm – und unsere Show fängt diesen Impuls ein.

Diese Energie sieht man auch bei Künstlern wie Lady Gaga, die mit Tony Bennett zusammenarbeitet, oder Beyoncé, die Diana Ross (Love Hangover auf der Renaissance-Tour) und Etta James Tribut zollte. Selbst ihr Auftritt mit The Way We Were bei Barbra Streisands Kennedy-Center-Ehrung war kraftvoll. Es ist berührend, wenn moderne Künstler die Großen ehren und es gleichzeitig zu ihrem eigenen machen. Oder Sabrina Carpenter, die diesen Moment mit Dolly Parton teilte – dieser Respekt ist heute noch spürbar.

Genau das streben wir mit Bobby Darin an. Wir wollten keinen Biopic-Film, der sich wie ein Museumsstück anfühlt. Es soll lebendig sein, nicht nostalgisch. Gracie Lawrence’s Porträt von Connie Francis ist ein perfektes Beispiel – sie imitiert sie nicht, sondern ehrt ihr Wesen und bringt ihr eigenes zeitloses Talent ein. Dieser Balanceakt ist entscheidend für den Ton der Show.

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Einen Entertainer mit tiefer Publikumsbindung zu spielen – ist das Ihre charismatischste Rolle bisher?
Ich wollte mein eigenes Ich einbringen. Das verlangte das Projekt von Anfang an. Bobby Darins Stimme veränderte sich ständig – er war ein Chamäleon, was uns einen theatralischen, ausdrucksstarken Zugang zu seiner Geschichte ermöglicht. Sein Leben war von Dringlichkeit geprägt; er hatte ein Herzleiden, lag oft im Krankenhaus und starb mit 37. Diese Intensität machte seine Auftritte transzendent.

Wichtiger als Stil oder Song war die Magie, die er im Moment erschuf. Selbst Mack the Knife klang jedes Mal anders – und doch unverkennbar nach ihm. Das versuche ich zu channeln: Indem ich mich selbst einbringe, ehre ich Bobby’s Geist und die Gegenwart. Das Publikum sieht nicht nur die Rekonstruktion eines Copa-Auftritts von 1959 – es ist Teil des Erlebnisses hier und jetzt, 2025 im Circle in the Square, und lebt seine Geschichte mit uns.

(Foto: Matthew Murphy und Evan Zimmerman)